lunes, junio 27, 2022
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The Apunkalypse: RAGE 2 y las imágenes punk postapocalípticas

A menos de una semana del debut mundial de Rage 2 (aquí nuestra última prueba antes de la revisión), el pequeño hijo furioso nacido del matrimonio creativo de Avalanche Studio e id Software. El objetivo del título es martillar los sentidos de los jugadores con un concierto de colores neón y explosiones anatómicas, proponiendo una peculiar revisión hipercromática y exuberante del universo postapocalíptico inaugurado con el primer capítulo.

A pesar de los destellos estilísticos particulares del título, sin embargo, un elemento casi inevitable permanece para la imaginería de género, a saber, la presencia de falanges aulladores de brutos cubiertos de cuero y mohawks. Pero si ahora «apunkalypse» se ha convertido en una de las caras más reconocibles del post apocalipsis multimedia, cabe preguntarse cuáles son los orígenes de esta singular tendencia. En una palabra: como nació la unión entre punk y el fin del mundo?
Bueno, chicos, nuestra historia comienza hace mucho tiempo, en un lugar encantado llamado Inglaterra …

Notas ásperas y crestas rebeldes

La idea del postapocalipsis como marco temático de abominaciones radiactivas y peinados antigravedad nació desde lejos, entre las mallas de una subcultura formada a mediados de los años 60 como emanación de la escena underground. Los años dorados del surf rock, seguidos de cerca por la invasión británica, ofrecieron a miles de niños una excusa para tomar las herramientas y probar suerte en un mercado musical en auge, en constante búsqueda de nuevos talentos para alimentarse de una audiencia increíblemente receptiva.

Muchas de estas bandas apenas supieron armar un par de acordes, pero las ganas de emerger, de hacer oír su voz en el mundo se las garantizó. una fuerza disruptiva y pureza de expresión. Son los años del garage rock, de bandas nacidas en sótanos polvorientos bajo la influencia de grupos británicos como The Kinks, The Animals, The Who y The Rolling Stones. Al otro lado del océano los sonidos son aún más agresivos y mordaces: es la época del proto-punk, los Stooges, los Velvet Underground y Alice Cooper. La contracultura hippie ahora está rancia y en decadencia, pero sigue habiendo un sentido generalizado de rebelión, de desprecio por todo lo que es corriente, por la conformidad política y social. De Estados Unidos al Viejo Continente, se extiende una tormenta de influencias que, a mediados de los 70, estalla entre las notas duras de Ramones, Sex Pistols, Dead Boys y Clash. Por polifacético que sea, la escena musical elogia la desobediencia, se burla de la autoridad y rechaza la doctrina dominante. Un mensaje demasiado atractivo para ser ignorado por las nuevas generaciones. Tras una gestación alejada de la mirada de las mayores, el punk se convierte así en un fenómeno desenfrenado, y se pone de moda reelaborando el estilo de las anteriores subculturas seminales: greaser, rocker, biker y skinhead.

El término que antes se usaba para etiquetar a los músicos improvisados ​​y autodidactas en la refriega se convierte en el símbolo de todo un movimiento. La huella dejada en el imaginario colectivo es muy profundo e indeleble. A medida que avanzaba la década, la estética punk también llegó a la gran pantalla pero, fiel a sus premisas, inicialmente se mantuvo alejada de los circuitos convencionales.
Elevado a un estatus de culto pero esencialmente desconocido para el público en general, el mayor exponente del punk cinematográfico de la década de 1970 es probablemente Jubilee de Derek Jarman, una película surrealista, crudamente anti-sistema y distópica.

El pintado por el director es en efecto un apocalipsis posmoderno, con un Londres pintado como la transposición en celuloide del sentimiento de opresión sociopolítica que empujó a los punks a rebelarse. Sí, un juego de pelota completamente diferente a los desiertos radioactivos clásicamente asociados con imágenes post-apocalípticas pero, oye, estamos llegando.

Mad Max, el padre del punkapocalypse

Aunque es difícil rastrear con absoluta precisión el origen literario de lo postapocalíptico, la mayoría de los estudiosos coinciden en reconocer el papel del precursor del subgénero en El último hombre de Mary Shelley. Tras escribir Frankenstein con tan solo 19 años, una de las novelas más influyentes de los dos últimos siglos, el joven autor se propuso duplicar con un libro que se estrenó en Inglaterra en 2073, pocos años después de una plaga que, de treinta años , hubiera exterminado a toda la raza humana.

En realidad, para ser quisquillosos, la inspiración de la historia proviene del poema en prosa del mismo nombre publicado en 1805 por Jean-Baptiste Cousin de Grainville, quien por tanto puede ser considerado el verdadero padre de la literatura postapocalíptica. Independientemente de su lugar de nacimiento, en las décadas siguientes el género ganó cierta popularidad entre los amantes de la ciencia ficción, con la excelente contribución de autores como HG Wells (escritor de La máquina del tiempo) y, más recientemente, Arthur C. Clarke (la pluma detrás de 2001 : Una Odisea del Espacio). Aunque articulada e interesante, especialmente por sus implicaciones sociopolíticas, la historia de esta rama particular de la literatura de ciencia ficción tiene poco o nada que ver con la entrada de los punks en el campo en el contexto de un colapso de la Tierra. Como sucede a menudo, de hecho, esta historia es el resultado de una combinación particular de talento, oportunidad y suerte.

A principios de la década de 1970, George Miller trabajaba como médico en la sala de emergencias del hospital de Victoria, Australia y, por lo tanto, tenía cierta experiencia en el delicioso campo de las lesiones anatómicas y las muertes violentas. Habilidades que le permitieron, con la ayuda de su amigo el cineasta Byron Kennedy, producir el cortometraje Violencia en el cine, película que fue acogida con gran entusiasmo en el circuito de festivales dedicados al cine independiente.

En años posteriores, Kennedy acompañó a Miller en intervenciones médicas en todo el país, a menudo después de terribles accidentes de tráfico que, a mediados de la década de 1970, se habían convertido en un problema. terrible costumbre para las crónicas australianas. Tomando nota de su creciente insensibilización a la violencia vial, espejo de lo que ahora había envuelto la conciencia colectiva del país, los dos decidieron realizar un documental sobre el tema. Dejando a un lado esta primera idea, Miller se decantó por un largometraje tradicional ambientado en el mundo del periodismo de tormenta. El protagonista fue Max Rockatansky, un reportero cínico involucrado en historias de violencia común en las calles de Melbourne. Miller pensó entonces que la historia de Max funcionaría mejor si el personaje hubiera sido un policía endurecido, obligado a aceptar su propia indiferencia tras la muerte de amigos y familiares.
Sin embargo, modificación tras modificación, el guión había adquirido rasgos tan exagerados y extremos que lo hacían prácticamente incompatible con un escenario realista y contemporáneo. Después de 5 años de revisiones, Mad Max (aquí nuestra revisión de Interceptor) estaba listo para viajar hacia el horizonte del interior de Australia en la parte trasera de 600 caballos de fuerza de pura potencia.

El nacimiento de un cliché

La elección de ubicar la trama en un futuro distópico (aún no del todo posapocalíptico) no fue simplemente el resultado de una voluntad estilística precisa, aunque el escenario garantizaba al director una mayor libertad creativa, sino que también nació de necesidades de producción precisas.

Con un presupuesto muy ajustado a su disposición, Miller y Kennedy pensaron que colocar la película en lugares abandonados y ruinosos les permitiría invertir más dinero en acrobacias y accesorios de calidad, una decisión perfectamente en línea con el frenesí abrumador que caracterizaría la película. .
El camino hacia el postapocalipsis ya estaba abierto, pero Mad Max no había abrazado la estética típica del punk de los 70-80, dado que el diseño elegido para los enemigos del protagonista era propio de las bandas de motociclistas que, en aquellos tiempos, a menudo llenaban el escenario. páginas de periódicos australianos.

El punto de inflexión, en este sentido, vendrá solo con la secuela y, de nuevo, gracias a generosa contribución del destino. Para el segundo capítulo de la saga, esta vez con un presupuesto decididamente mayor, la producción había contratado a la experta diseñadora de vestuario Norma Moriceau, encargada de definir el estilo de todos los personajes de la película. Da la casualidad de que, apenas un año antes, el diseñador había trabajado en el plató de La grande scam del rock’n’roll, un documental que narraba el nacimiento, ascenso y decadencia de uno de los grupos simbólicos del movimiento punk británico: Sex Pistols. Con la colección omnia de iconografía punk en mente, Moriceau se convirtió en el punto de conexión entre la dirección postapocalíptica decidida por Miller y la última década de la subcultura del rock, y por lo tanto reunió un ejército de brutos con cresta para Mad Max 2 y Beyond Thunderdome. cubierto de cuero y tachuelas, dando vida oficialmente a los topos multimedia del Apunkalypse.

Un cliché de origen improbable, que luego se consolidaría con el aporte de Tetsuo Hara y su Ken el guerrero, y revistas de cómics como 2000 AD y Heavy Metal, para luego aterrizar en el mundo de los videojuegos con beat ‘em up purebred. como Double Dragon. Hoy, 38 años después de ese increíble hermanamiento, Rage 2 se prepara para llevar a las pantallas de los jugadores la última y loca encarnación del apocalipsis punk, el destino de un viaje que comenzó en el siglo pasado a bordo. una ruggente V8 Interceptor.